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Escuchemos una Obra del Maravilloso Genio de Viena  Wofgang Amadeus Mozart
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EL FAUVISMO

DESARROLLO DEL ARTE PUNEÑO

MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS DEL DEPARTAMENTO DE PUNO

ARTE RUPESTRE. Las diversas representaciones del arte Rupestre en Puno datan de unos 10000 aC. y 5000 aC, aproximadamente, donde gran parte de estas manifestaciones se encuentran en: Macusani – Qquilli Qquilli, Corani,  Pizacoma, Cordilleras de Carabaya, Salcedo Salcedo – Puno.

En el departamento de Puno, se encuentra uno de los repositorios de arte rupestre más fascinantes y menos conocidos de los Andes peruanos, así podemos encontrarlos en Macusani-Corani donde tienen dominio dos grandes grupos de motivos: seres vivos - animales y humanos. En cuanto a la temática, en el primer grupo prevalecen las escenificaciones de la caza de camélidos silvestres y ciervos. Con menor frecuencia encontramos representaciones de conflictos armados y posibles rituales vinculados con la caza.  Los motivos y temas generalmente son:

Figuras Zoomorfas: Camélidos (guanaco, vicuña, llamas, alpacas), ciervos, pumas con orejas redondeadas merodeando a los camélidos, y algunos reptiles.

Figuras Antropomorfas:  Las encontramos en una gran gama de tipos, posiciones, acciones, colores y detalles. Cazadores, danzantes.

Motivos no Figurativos: gráficos como “tejidos” o “mantas”, motivos cuadrangulares, geométricos y signos abstractos

ARTE PREHISPÁNICO EN EL DEPARTAMENTO DE PUNO.

CULTURA PUKARÁ: Su sede se ubicó al noroeste del lago Titicaca, entre Ayaviri y Azángaro, en el distrito de Pucará, provincia de Lampa, en la región Puno. La principal zona de dominio, fue la meseta del Collao, alrededor de los 3.700 msnm. Tiene una antigüedad entre los años 100 a.C. y 300 d.C, se desarrolló a orillas del lago Titicaca la sociedad pucara. La base de su economía, fue la ganadería de auquénidos: vicuña, llama, alpaca y guanaco.

En su cerámica la superficie es roja con diseños incisados y pintadas con colores negro y amarillo. Los temas principalmente felinos, camélidos y personajes que llevan cetros en las manos.   Su escultura lítica, con diversos diseños geométricos, antropomorfos, etc, esculpidos en su superficie, generalmente monolitos, que se han hallado alrededor del templo Kalassaya.   La estructura más importante es Kalassaya, pirámide de 300 m de largo, por 150 m de ancho y 30 m de altura.

CULTURA TIAHUANACO: Meseta  del  Collao, a 3500 m. altura s./n.m. con una antigüedad de 200 años a 1000 años D.C, ubicado en territorios altiplánicos de Puno (Perú) y Bolivia, estuvieron gobernados por dos clases de autoridades: Política: Ejercida por un jefe. Su sede del gobierno fue Watun Colla, actualmente, Ayacucho; su idioma fue el Uro, rindiendo culto al Dios Wiracocha.   Su cerámica fue geométrica, policroma (usaron los colores rojo, anaranjado, negro, etc). hechos de madera o arcilla, con dibujos geométricos, forma de vaso con boca ancha.      Su arquitectura tuvo motivo religioso ejemplo: Palacio de Kalasasaya, Acapana, Portada del Sol, Templete, Pumapunku. Realizaron trabajados en piedra (Arte Lítico) de dimensiones considerables como la portada del sol y el monolito de Benett.

REINOS AYMARAS: Ocuparon la meseta del Collao luego del ocaso de  Tiahuanaco.

COLLAS: Este reino de origen aymara se ubicó al nor-oeste del Lago Titicaca, en la Meseta del Collao. Su centro principal fue Hatun Colla, donde residía su máximo gobernante, el Zapana Cápac, apoyado por grandes curacas o mallkus. Los collas fueron excelentes arquitectos y talladores de piedra. Las muestras más famosas de esto son las Chullpas de Sillustani, unas gigentescas torres funerarias. La deidad principal de esta sociedad de lengua aymara fue Tunupa, el temido dios de los volcanes. En su honor hacían sacrificios humanos y grandes fiestas.

Hacia 1450 fueron invadidos por las fuerzas del Inca Pachacútec, quien conquistó el altiplano, después de grandes combates

LUPACAS: Los lupacas conformaron un poderoso estado aymara al sur-oeste del Lago Titicaca, en la Meseta del Collao (Puno, Perú). Su capital fue Chucuito y estuvo gobernado por una diarquía integrada por los reyes Cari y Cusi, ricos y poderosos señores, poseedores de impresionantes cantidades de cabezas de ganado camélido, en los pastizales del Altiplano, en su arquitectura también destacan las construcciones de chullpas.

ARTÍSTAS DESTACADOS DEL DEPARTAMENTO DE PUNO

VÍCTOR HUMAREDA GALLEGOS. 

Nació en la ciudad de Lampa el 6 de marzo de 1920, hijo de Emilio Humareda Caballero y Eudocia Gallegos Andia, empezó a dibujar con lápices de colores a muy temprana edad, iniciándose copiando la “Escuela de Atenas” de Rafael. A los 18 años viaja a Lima para estudiar en la Escuela de Bellas Artes, ingresando a la misma en 1938, pero por múltiples problemas económicos se retira para continuar nuevamente desde 1941 a 1947; culminando sus estudio es becado a la Argentina a la que viajo en 1950; de paso por Lampa se le encarga pintar la Calle Pardo frente a la casona Macedo, obra que hoy se exhibe en la Dirección de la Escuela Nro. 871. Ya en Buenos Aires, ingresa a la Escuela “Ernesto de la Carcova ”, ya en allí se familiariza con los arlequines, escenas bohemias y circenses.

CARLOS CONRADO RUBINA BURGOS, Nació el 28 de Marzo de 1895, hijo de Fabio Rubina y María Burgos, estudio su primaria en el Gloriosos 881, alumno del maestro Jose Antonio Encinas, cuando su padre era Sub Prefect de Puno, luego ingreso al Colegio Nacional San Carlos en 1921, estando aun en el Tercer año, se le encargo la asignatura de Dibujo, Canto y música y Pintura

ANARCO VALENCIA. 

Anarco Valencia, pintor y escultor puneño, nació en 1944, se educó en el Colegio Nacional San Carlos, luego continuó sus estudios superiores en la Universidad de Praga Checoslovaquia, donde se graduó de Licenciado en Sociología y Doctor en Filosofía.

MOSHÓ (AURELIO MEDINA PACHECO). 

Artista plástico natural de Ayaviri – Puno, después de un buen tiempo, en homenaje a la Virgen de la Candelaria, nos ha ofrecido una exposición de Sicuris en la Galería del Municipio, – pintados como él dijera – olvidándose de ser dibujante, sino que los ha plasmado en base a la intuición, pulsando la paleta guiada por la energía que mana de su interior; en estos óleos se nota el dominio de los colores, los claros y los oscuros, las proporciones y perspectivas, y la expresión melancólica o el alborozo interno casi no muy expresado por el hombre andino.

JUAN DE LA CRUZ MACHICADO. 

Nació en 1935 en la provincia de Yunguyo, del departamento de Puno en Perú. Estudió en la Escuela Regional de Bellas Artes "Diego Quispe Tito" de Cusco. Recibió una beca para la Escuela de Restauración de Lima y simultáneamente estudió pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú. En 1975 recibió el Premio Nacional de pintura en el Festival de la Primavera en la ciudad de Trujillo, Perú. De 1972 a 1976, trabajó como restaurador de pinturas coloniales para el Instituto Nacional de Cultura, Proyecto PER-39, UNESCO, COPESCO. Sus pinturas han sido reproducidas en tarjetas navideñas, calendarios, tapices, retablos, afiches y en un vitral. En noviembre de 1997 recibió la Medalla de Honor otorgada por el Instituto Nacional de Cultura y la Municipalidad del Cusco, como reconocimiento a su trabajo y haber representado al Perú muchas veces en el extranjero.  En octubre del 2006 recibió el trofeo INTI ÑAN, como ganador en el certamen de Arte de la 1ra. Bienal Intercontinental de Arte y Cultura Indígenas, realizada en la ciudad de Quito, Ecuador. El 2008 fue invitado de honor para la 2da Bienal y en esta 3ra del 2010, participa como jurado calificador.  Sus obras se muestran en diferentes galerías de prestigio del Perú, Europa, Sudamérica y Estados Unidos.

LA FILOSOFÍA DEL ARTE

LA ESTÉTICA:

La Estética es la rama de la filosofía que tiene por objeto el estudio de la belleza. Viene a ser la reflexión del mundo filosófico de lo que es bello o lo que es artístico. La palabra deriva de αισθητική (aishtetike) «sensación, percepción, sensibilidad» , es conocida también como la teoría del arte relacionada con la esencia y la percepción de la belleza y la fealdad.

El término "estética" fue acuñado en 1753 por el filósofo alemán Alexander Gottlieb Baumgarten, pero el estudio de la naturaleza de lo bello había sido una constante durante siglos. En el pasado fue, sobre todo, un problema que preocupó a los filósofos, los artístas también han contribuido a enriquecer este campo con sus opiniones.

ELEMENTOS DEL ARTE ESTÉTICO

Para considerar a una obra como arte, debe considerar tres elementos importantes:

EL ESTILO: Es una forma generalmente aceptada y admitida en público, debe ser original y no repetir elementos de otros temas artísticos.

LOS SIMBOLOS: Deben tener sentido y corresponden a lo que el artista plasma desde su mente, estos permiten sonidos, colores, figuras o posturas de una obra tengan sentido.

LAS FORMAS: Es el lugar físico en donde se plasma el arte (lienzo, oleo, piedra, madera, etc.)

CATEGORÍAS DE LA ESTÉTICA

LO BELLO: Es la armonía en la proporción de las forma, el equilibrio. Probablemente es la categoría más estudiada hasta hoy, no existe un criterio absoluto que pueda definir lo que es la actitud, pero se puede afirmar que lo bello se refleja en aquellas obras que de gran perfección técnica, que dejan entrever el paso de la experiencia humana, el talento del artista y la energía de la emoción concentrada.

LO FEO: La enarmonía de las formas y el desequilibrio. (carencia de lo bello) (Bellezas raras o bellezas exóticas). Es también una experiencia peculiar que vive el sujeto ante un objeto artístico, es justamente la experiencia contraria que se vive con la belleza.

LO TRÁGICO: La mezcla de tristeza y la alegría, la pasión y los sentimientos profundos, es propia de la vida humana, una tormenta de acontecimientos que afectan al hombre.

LO GRACIOSO - HUMORÍSTICO. Es una categoría que no se puede clasificar como una obra de arte. Tiende a ser exagerado, debe existir una complicidad entre el tema artístico y la persona que lo aprecia. Su tendencia es chistosa, chusca, festivo, jocoso hilarante o burlesco

LO SUBLIME: Esta palabra viene del latín “sublimis” que significa elevado”. Así esta palabra se ha utilizado para designar algo excelso  eminente o sumamente elevado. Es el lugar más alto de la Estética, donde la obra toca el espíritu del espectador, y se característica por anular los sentidos.

TENDENCIAS DE LA ESTÉTICA

LA OPINIÓN OBEJTIVA: Es propio de los textos científicos y técnicos. En ella, el emisor se limita a reflejar lo que ve de una manera minuciosa y precisa, sin manifestar sus propios sentimientos o emociones

LA OPINIÓN SUBJETIVA: El  emisor no se preocupa tanto de los detalles físicos si no de las valoraciones que éste le da, en el sentido de las emociones y sentimientos del autor de la obra.

LA FILOSOFÍA Y LA ESTÉTICA

PLATÓN entendió la belleza de manera muy amplia y con ese concepto abarcaba no sólo los valores estrictamente morales sino también los estéticos. Incluía también los valores referidos al conocimiento. Este no era un concepto particular de Platón sino que fue común para la mayoría de los griegos de la Antigüedad.

Platón tenía una idea antagónica del arte y del artista aunque aprobara algunos tipos de arte religioso y moralista. Su enfoque tiene que ver una vez más con su teoría de las ideas. Una flor bonita, por ejemplo, es una copia o imitación de las ideas universales de flor y belleza.

La flor física es una reproducción de la realidad, es decir, de las ideas. Un cuadro de la flor es, por lo tanto, una reproducción secundaria de la realidad. Esto también significa que el artista es una reproducción de segundo orden del conocimiento y, en realidad, la crítica frecuente de Platón hacia los artistas era que carecían de un conocimiento verdadero de lo que estaban haciendo. La creación artística, observó, parecía tener sus raíces en una inspirada locura.

Platón dice: “si es que hay alguna cosa por la que vale la pena vivir es por contemplar la belleza”. Aunque no se ha entendido bien lo que quería decir desde un principio. No se refería tan sólo a la belleza de las formas, al aspecto exterior... sino que identifica la belleza con el bien y la verdad y los considera los mayores valores humanos.

ARISTÓTELES, también habló del arte como imitación, pero no en el sentido platónico. Uno podía imitar las “cosas como deben ser”, escribió y añadió que “el Arte complementa hasta cierto punto lo que la naturaleza no puede llevar a un fin”. El artista separa de la materia de algunos objetos de la experiencia, como el cuerpo humano o un árbol, e impone la forma sobre otra materia, como un lienzo o mármol. Así la imitación no consiste sólo en copiar un modelo original, sino en concebir un símbolo del original; más bien se trata de la representación concreta de un aspecto de una cosa y cada obra es una imitación de un todo universal.

Aristóteles sustento la teoría de los efectos de la tragedia (teatro griego), que producía en el espectador: temor y compasión, como una función que el arte producía en el ser, llamado también catarsis.

PLOTINO es el último gran teórico de la belleza en el mundo antiguo. Seiscientos años después de la muerte de la Grecia Clásica, es un recuerdo insertado en el Imperio Romano. 

Plotino entiende la belleza como unidad, simplicidad y luminosidad, ya que si fuera la simetría de unas partes con respecto a otras y al conjunto sólo lo compuesto sería bello. Así, la belleza en realidad es una cualidad que sólo el alma alcanza a ver, y que pertenece a las cosas sensibles en virtud de su forma: “todo lo que por naturaleza debe recibir una idea y una forma, si no participa de ésta y al propio tiempo se aparta de la idea y de la razón divina, es real y absolutamente feo”. Por tanto la belleza procede de la unidad de la forma y no de la armonía de las partes. 

No obstante, a nivel ontológico “la forma no es el grado máximo de la perfección, sino que la perfección de la forma deriva y remite a aquello que, en su simplicidad, supera toda forma y es, por ello, informe” “Esta belleza, pues, o no es nada, o es algo que carece de figura. Digamos mejor que es una cosa simple, que rodea su objeto como si fuese su materia. Plotino considera – a diferencia de Platón – que no existe la idea de belleza, sino que todas las ideas son bellas en la identidad-multiplicidad del Nous – espíritu, inteligencia en el que subsisten todas las ideas en su multiplicidad y diferencia y como unidad subsistente. La belleza, propiamente, no tiene forma, pero las cosas que participan de ella adquieren belleza.